CONFERENCIA SOBRE NADA #1 Poema, Performance sonora, Ana Montenegro.
Dispositivos para performance: libro Conferencia sobre nada de John Cage. Sintetizador, amplificador y micrófono.
El poema reposa sobre un atril, acompañado por un micrófono. Puede ser leído por el público o por la artista. Está basado en un fragmento del libro Conferencia sobre nada de John Cage. Las palabras son sustituidas por una única palabra (ana).
Esta pieza es un poema y una performance sonora sobre las formas del silencio y el contenido de la nada. Cada línea debe ser leída de izquierda a derecha, a través de la página.
Dispositivos para performance: libro Conferencia sobre nada de John Cage. Sintetizador, amplificador y micrófono.
El poema reposa sobre un atril, acompañado por un micrófono. Puede ser leído por el público o por la artista. Está basado en un fragmento del libro Conferencia sobre nada de John Cage. Las palabras son sustituidas por una única palabra (ana).
Esta pieza es un poema y una performance sonora sobre las formas del silencio y el contenido de la nada. Cada línea debe ser leída de izquierda a derecha, a través de la página.
BARTEBLY DESHECHO Libro de artista, Acción poética, Ana Montenegro. HOTEL DADA, Junin, Buenos Aires, Argentina, 2023.
Dispositivo para performance: Libro Bartleby, Herman Melville. Editora cosacnaify.
La artista en su reciente trabajo, Bartebly deshecho, donde en lugar del apagamiento o borrado de un texto decide deshacer el libro de Melville y exponer todas sus páginas desplegadas sobre una mesa. De forma paradojal, el procedimiento no configura un acto de destrucción, sino una acción que le otorga al libro una forma de sobrevivencia, al desplegarlo y convertirlo en un objeto artístico.
Dispositivo para performance: Libro Bartleby, Herman Melville. Editora cosacnaify.
La artista en su reciente trabajo, Bartebly deshecho, donde en lugar del apagamiento o borrado de un texto decide deshacer el libro de Melville y exponer todas sus páginas desplegadas sobre una mesa. De forma paradojal, el procedimiento no configura un acto de destrucción, sino una acción que le otorga al libro una forma de sobrevivencia, al desplegarlo y convertirlo en un objeto artístico.
LA SOLEDAD ÁSPERA Performance sonora, Ana Montenegro y Wilson Sukorski. HOTEL DADA, Junin, Buenos Aires, Argentina, 2022.
Partitura: Wilson Sukorski
Dispositivo para performance: Serrote musical
LA SOLEDAD ÁSPERA
En la performance titulada La soledad áspera, la artista ejecuta una pieza sonora con un serrote musical, basada en una partitura compuesta por el músico Wilson Sukorski. La forma de tocar el instrumento, con su ubicación entre las piernas, y la modulación del sonido por la tensión y la curvatura de la sierra a partir de la presión de la mano, evoca una figura fálica y las evoluciones de un ritual onanista. Como en Phallus, se opera un desplazamiento deconstructivo, donde la identidad sexual y las convenciones de género se dinamitan; el paisaje sonoro hipnótico, con sonidos repetitivos y perturbadores, instala una gramática divergente en la que la figura del macho deviene presencia fragmentaria y objetual
Partitura: Wilson Sukorski
Dispositivo para performance: Serrote musical
LA SOLEDAD ÁSPERA
En la performance titulada La soledad áspera, la artista ejecuta una pieza sonora con un serrote musical, basada en una partitura compuesta por el músico Wilson Sukorski. La forma de tocar el instrumento, con su ubicación entre las piernas, y la modulación del sonido por la tensión y la curvatura de la sierra a partir de la presión de la mano, evoca una figura fálica y las evoluciones de un ritual onanista. Como en Phallus, se opera un desplazamiento deconstructivo, donde la identidad sexual y las convenciones de género se dinamitan; el paisaje sonoro hipnótico, con sonidos repetitivos y perturbadores, instala una gramática divergente en la que la figura del macho deviene presencia fragmentaria y objetual
Ana Montenegro y Ale Montiel, POLVO. Ellos fueron los primeros desaparecidos. Bienal Internacional de Arte de Río Negro, Valcheta, Río Negro, Patagonia Argentina, 2022.
POLVO
Tendida, con la parte frontal del cuerpo, las manos, y el oído sobre el suelo, en un estado de inmovilidad, la artista permanece en un estado de escucha de la tierra, especie de vuelta al polvo, el vacío, lo profundo.
Tras un tiempo, comienza la lectura de un listado de indígenas que fueron aprisionados en el campo de excepción (concentración) de Valcheta, a través de los altoparlantes de una propaladora.
La acción funciona como estrategia de rescate de la memoria histórica. Pretende producir una reflexión por vía poética sobre los indígenas que fueron retenidos en el valle de Valcheta, como consecuencia de una política gubernamental concentracionaria. Trata de darle voz a los muertos, a los silenciados, a los invisibles.
POLVO es una obra en proceso a ser desarrollada en distintas ciudades de Latinoamérica. Hasta la fecha se ha presentado en Buenos Aires (Buenos Aires, Argentina, 2018), en Cuenca (Ecuador, 2019) y en Valcheta (Patagonia argentina, 2022).
Acción: Ana Montenegro
Lectura: Ale Montiel
POLVO
Tendida, con la parte frontal del cuerpo, las manos, y el oído sobre el suelo, en un estado de inmovilidad, la artista permanece en un estado de escucha de la tierra, especie de vuelta al polvo, el vacío, lo profundo.
Tras un tiempo, comienza la lectura de un listado de indígenas que fueron aprisionados en el campo de excepción (concentración) de Valcheta, a través de los altoparlantes de una propaladora.
La acción funciona como estrategia de rescate de la memoria histórica. Pretende producir una reflexión por vía poética sobre los indígenas que fueron retenidos en el valle de Valcheta, como consecuencia de una política gubernamental concentracionaria. Trata de darle voz a los muertos, a los silenciados, a los invisibles.
POLVO es una obra en proceso a ser desarrollada en distintas ciudades de Latinoamérica. Hasta la fecha se ha presentado en Buenos Aires (Buenos Aires, Argentina, 2018), en Cuenca (Ecuador, 2019) y en Valcheta (Patagonia argentina, 2022).
Acción: Ana Montenegro
Lectura: Ale Montiel
Ana Montenegro, videoperformance BLIND TRACE, IMAF
2021, Serbia
BLIND TRACE 6’00”
La artista traza una línea invisible con los dedos sobre una pared blanca mientras camina. La mano se mueve dejando un rastro intangible, estableciendo una relación con la noción de ceguera e incertidumbre con respecto a la partitura de la vida. La línea comienza cuando se desvanece.
BLIND TRACE 6’00”
La artista traza una línea invisible con los dedos sobre una pared blanca mientras camina. La mano se mueve dejando un rastro intangible, estableciendo una relación con la noción de ceguera e incertidumbre con respecto a la partitura de la vida. La línea comienza cuando se desvanece.
Ana Montenegro. Performance MARCA REGISTRADA, Junin, Buenos Aires, Argentina, 2020.
MARCA REGISTRADA
Esta acción constituye una relectura de la videoperformance Marca registrada de la artista brasileña Leticia Parente, realizada en 1975. En la acción original, la artista cose en la planta del pie con una aguja y un hilo negro las palabras "MADE IN BRASIL", evocando tanto la marca de hierro que se utiliza para indicar la propiedad de los animales, como la conexión profunda e impenetrable con la patria y la identidad del individuo afirmado en su historicidad, asentado en la planta de su pie.
En la relectura de Ana Montenegro la frase « MADE IN BRASIL » es fijada al pie mediante un sello de goma, y se repite hasta la superposición y el desaparecimiento. La elección de un sello de goma alude al ejercicio burocrático y oficinesco, a un símbolo de poder que se vincula con la autoridad y la validación o no de alguna cosa, como licencias, certificados o pasaportes.
En su condición de migrante, viviendo entre Brasil y Argentina, la acción de la artista pone en jaque las nociones de identidad, nacionalidad, mitos e imposiciones geográficas. La marca de origen (« MADE IN BRASIL ») se vuelve irreconocible y se apaga como metáfora de la transnacionalidad, como señal de una identidad transfronteriza que se nutre de la antropofagia de las marcas impuestas por los ritos de construcción de la nacionalidad.
Silvio De Gracia, 25 de febrero de 2020.
MARCA REGISTRADA
Esta acción constituye una relectura de la videoperformance Marca registrada de la artista brasileña Leticia Parente, realizada en 1975. En la acción original, la artista cose en la planta del pie con una aguja y un hilo negro las palabras "MADE IN BRASIL", evocando tanto la marca de hierro que se utiliza para indicar la propiedad de los animales, como la conexión profunda e impenetrable con la patria y la identidad del individuo afirmado en su historicidad, asentado en la planta de su pie.
En la relectura de Ana Montenegro la frase « MADE IN BRASIL » es fijada al pie mediante un sello de goma, y se repite hasta la superposición y el desaparecimiento. La elección de un sello de goma alude al ejercicio burocrático y oficinesco, a un símbolo de poder que se vincula con la autoridad y la validación o no de alguna cosa, como licencias, certificados o pasaportes.
En su condición de migrante, viviendo entre Brasil y Argentina, la acción de la artista pone en jaque las nociones de identidad, nacionalidad, mitos e imposiciones geográficas. La marca de origen (« MADE IN BRASIL ») se vuelve irreconocible y se apaga como metáfora de la transnacionalidad, como señal de una identidad transfronteriza que se nutre de la antropofagia de las marcas impuestas por los ritos de construcción de la nacionalidad.
Silvio De Gracia, 25 de febrero de 2020.
Ana Montenegro, Performance EL RECUERDO, LA PERSISTENCIA DEL CUERPO, Rastros del arte de performance en América Latina, EAC, Montevideo, Uruguay, 2018
EL RECUERDO
La artista, vestida de negro, sin zapatos, entra en la sala, y se posiciona en el centro con el público alrededor. Una luz blanca enfoca su imagen, mientras que el espectador se mantiene en la penumbra. Permanece de pie, sin movimiento, en silencio, con los brazos extendidos a lo largo del cuerpo y el rostro mirando hacia adelante, durante aproximadamente cuarenta minutos. La luz se apaga y la artista se retira.
Segundo Byung-Chul Han, “la experiencia de lo bello como recuerdo se sustrae al consumo, que está dominado por una temporalidad completamente distinta. Lo que se consume es siempre lo nuevo, y no lo sido. El reconocimiento iría incluso en detrimento del consumo. La temporalidad del consumo no es el haber sido. Los recuerdos y la duración no se compadecen bien con el consumo. Este se nutre de un tiempo hecho añicos. Para maximizarse, destruye la duración, Tampoco el caudal de informaciones, la trepidante secuencia de cortes que obliga al ojo a consumir rápidamente, permite ningún recuerdo permanente. Las imagenes digitales no pueden captar la atención durante mucho tiempo. En seguida se vacían de sus atractivos visuales y se desvanecen.”
Esta performance propone una relación entre la imagen del cuerpo presente de la artista y el espectador, con la intención de que esta imagen se fije como recuerdo.
EL RECUERDO
La artista, vestida de negro, sin zapatos, entra en la sala, y se posiciona en el centro con el público alrededor. Una luz blanca enfoca su imagen, mientras que el espectador se mantiene en la penumbra. Permanece de pie, sin movimiento, en silencio, con los brazos extendidos a lo largo del cuerpo y el rostro mirando hacia adelante, durante aproximadamente cuarenta minutos. La luz se apaga y la artista se retira.
Segundo Byung-Chul Han, “la experiencia de lo bello como recuerdo se sustrae al consumo, que está dominado por una temporalidad completamente distinta. Lo que se consume es siempre lo nuevo, y no lo sido. El reconocimiento iría incluso en detrimento del consumo. La temporalidad del consumo no es el haber sido. Los recuerdos y la duración no se compadecen bien con el consumo. Este se nutre de un tiempo hecho añicos. Para maximizarse, destruye la duración, Tampoco el caudal de informaciones, la trepidante secuencia de cortes que obliga al ojo a consumir rápidamente, permite ningún recuerdo permanente. Las imagenes digitales no pueden captar la atención durante mucho tiempo. En seguida se vacían de sus atractivos visuales y se desvanecen.”
Esta performance propone una relación entre la imagen del cuerpo presente de la artista y el espectador, con la intención de que esta imagen se fije como recuerdo.
Ana Montenegro, Performance VÉRTIGO, LA LUZ BUENA, Agustín Roca, Buenos Aires, Argentina, 2018
VÉRTIGO
En una casa en ruinas, dentro de una habitación que tiene un gran hueco en el centro, la artista camina pegada a las paredes, apoyando las manos sobre ellas.
Cuando no nos sentimos seguros porque el mundo da vueltas, hay que apoyarse en las paredes, aferrarse a algo sólido para no derrumbarnos entre nuestros escombros. Cuando algo desestabiliza fuertemente el equilibrio al que estábamos acostumbrados, el vértigo nos indica la dificultad para orientarnos en una nueva situación, al tiempo que cuestiona el orden racional en el que vivíamos, provocándonos profundas angustias y miedos.
VÉRTIGO
En una casa en ruinas, dentro de una habitación que tiene un gran hueco en el centro, la artista camina pegada a las paredes, apoyando las manos sobre ellas.
Cuando no nos sentimos seguros porque el mundo da vueltas, hay que apoyarse en las paredes, aferrarse a algo sólido para no derrumbarnos entre nuestros escombros. Cuando algo desestabiliza fuertemente el equilibrio al que estábamos acostumbrados, el vértigo nos indica la dificultad para orientarnos en una nueva situación, al tiempo que cuestiona el orden racional en el que vivíamos, provocándonos profundas angustias y miedos.
Ana Montenegro, Performance POLVO, DESVIOS, 1a Jornada internacional de Interferencias, Buenos Aires, Argentina, 2018
POLVO
El término usado para "polvo" en hebreo, es el mismo "apar.". Literalmente significa la tierra suelta que queda sobre el suelo, sin que se necesite cavar.
La artista, con la parte frontal del cuerpo, las manos, y el oído sobre la tierra, en un estado de inmovilidad, sugiere la escucha de la tierra, o la vuelta al polvo, el vacío, lo profundo.
La acción es una interferencia, y también, una deriva por países de América latina. La cuestión del desplazamiento, de la tierra de varios países, de la inmigración, levanta reflexiones lancinantes, exponiendo la frágil situación de tantos cuerpos, dueños de un no lugar, de una no vida.
POLVO
El término usado para "polvo" en hebreo, es el mismo "apar.". Literalmente significa la tierra suelta que queda sobre el suelo, sin que se necesite cavar.
La artista, con la parte frontal del cuerpo, las manos, y el oído sobre la tierra, en un estado de inmovilidad, sugiere la escucha de la tierra, o la vuelta al polvo, el vacío, lo profundo.
La acción es una interferencia, y también, una deriva por países de América latina. La cuestión del desplazamiento, de la tierra de varios países, de la inmigración, levanta reflexiones lancinantes, exponiendo la frágil situación de tantos cuerpos, dueños de un no lugar, de una no vida.
Ana Montenegro y Mauricio Mancioli. Videoperformance. EN EL VACÍO, Milán, Italia, 2017.
EN EL VACÍO
Un cuerpo flota, de espaldas, casi inmóvil sobre el agua, el movimiento de los brazos evoca un vuelo, una danza de pequeños e inútiles gestos. Está lloviendo, está oscuro. La piel y el vestido blanco contrastan con el fondo negro que anuncia tormenta. No hay paisaje. Acción y pensamiento en el umbral de la esquizofrenia. Una estrategia de deshacerse de la prisión en la que se encuentra. Ya no hay instinto de supervivencia, sólo el vacío, la profundidad.
EN EL VACÍO
Un cuerpo flota, de espaldas, casi inmóvil sobre el agua, el movimiento de los brazos evoca un vuelo, una danza de pequeños e inútiles gestos. Está lloviendo, está oscuro. La piel y el vestido blanco contrastan con el fondo negro que anuncia tormenta. No hay paisaje. Acción y pensamiento en el umbral de la esquizofrenia. Una estrategia de deshacerse de la prisión en la que se encuentra. Ya no hay instinto de supervivencia, sólo el vacío, la profundidad.
Ana Montenegro y Maurizio Mancioli, Performance DISPLAY, Love me Tender, SAO, São Paulo, SP, Brasil, 2017
DISPLAY
En esta acción se muestra un cuerpo protegido por un vidrio, sin embargo, expuesto como si estuviera en una vidriera. La artista, con su vestido abierto, exhibe su sexo, violentando las fronteras entre lo público y lo privado, y convirtiendo el ritual exhibicionista en un cuestionamiento acerca de las opresivas miradas patriarcales proyectadas sobre el cuerpo femenino. A través de la mostración del sexo, se reivindica la pureza natural de la desnudez y el derecho del cuerpo de la mujer a no ser percebido como una mera mercancía hipersexualizada.
DISPLAY
En esta acción se muestra un cuerpo protegido por un vidrio, sin embargo, expuesto como si estuviera en una vidriera. La artista, con su vestido abierto, exhibe su sexo, violentando las fronteras entre lo público y lo privado, y convirtiendo el ritual exhibicionista en un cuestionamiento acerca de las opresivas miradas patriarcales proyectadas sobre el cuerpo femenino. A través de la mostración del sexo, se reivindica la pureza natural de la desnudez y el derecho del cuerpo de la mujer a no ser percebido como una mera mercancía hipersexualizada.
Ana Montenegro, Juliana Moraes, Wilson Sukorski. Performance sonora TACET. Verbo, Galeria Vermelho. SãoPaulo, SP, Brasil, 2016.
Partitura: Wilson Sukorski
TACET
Siguiendo una partitura auditiva, un coreógrafo y un intérprete organizan movimientos gestuales y de desplazamiento, a través de una descripción pregrabada y otras señales que solo escuchan los intérpretes, mientras que un músico complementa las variaciones coreográficas trabajando con sonidos en el límite de la percepción (superagudos, silenciosos, supergraves).
Los desplazamientos se producen en el paso de una postura a otra, unas veces lentamente, otras en ágiles hipidos suspendidos o repetitivos. Ocurren entre los gestos – en el intervalo: tacet – punto de espera.
Los caminos gestuales están cuidadosamente construidos, en combinaciones que profundizan la distancia emocional entre los cuerpos.
El silencio, la soledad y la falta de contacto profundo en las relaciones contemporáneas se evidencian a través de poses desconectadas de la presencia del otro.
Partitura: Wilson Sukorski
TACET
Siguiendo una partitura auditiva, un coreógrafo y un intérprete organizan movimientos gestuales y de desplazamiento, a través de una descripción pregrabada y otras señales que solo escuchan los intérpretes, mientras que un músico complementa las variaciones coreográficas trabajando con sonidos en el límite de la percepción (superagudos, silenciosos, supergraves).
Los desplazamientos se producen en el paso de una postura a otra, unas veces lentamente, otras en ágiles hipidos suspendidos o repetitivos. Ocurren entre los gestos – en el intervalo: tacet – punto de espera.
Los caminos gestuales están cuidadosamente construidos, en combinaciones que profundizan la distancia emocional entre los cuerpos.
El silencio, la soledad y la falta de contacto profundo en las relaciones contemporáneas se evidencian a través de poses desconectadas de la presencia del otro.
Ana Montenegro y Barbara Cunha, Performance para Camara PHALLUS - políptico fotográfico, São Paulo, SP, Brasil, 2016.
PHALLUS
Para el psicoanálisis de Freud, falo (PHALLUS) significa la representación de la completitud, del no sentimiento de falta. Puede remitir al órgano sexual masculino en forma literal, pero también a cualquier cosa que tenga para una persona la significación de la completitud.
El uso de signos contradictorios (zapatos femeninos, dibujos de pelos, flores fálicas, cuerpo femenino) sugiere una reflexión sobre identidad, género, formas de sexualidad. Juntos, los signos crean una paradoja vaciada por el choque de su co-presencia. La identidad sexual y las normas sociales se rompen, en una operatoria deconstructiva, abriendo múltiples posibilidades en el campo de lo sensible.
PHALLUS
Para el psicoanálisis de Freud, falo (PHALLUS) significa la representación de la completitud, del no sentimiento de falta. Puede remitir al órgano sexual masculino en forma literal, pero también a cualquier cosa que tenga para una persona la significación de la completitud.
El uso de signos contradictorios (zapatos femeninos, dibujos de pelos, flores fálicas, cuerpo femenino) sugiere una reflexión sobre identidad, género, formas de sexualidad. Juntos, los signos crean una paradoja vaciada por el choque de su co-presencia. La identidad sexual y las normas sociales se rompen, en una operatoria deconstructiva, abriendo múltiples posibilidades en el campo de lo sensible.
Ana Montenegro y Wilson Sukorski, Performance sonora SOLOCORDICO, MIP MUESTRA INTERNACIONAL DE PERFORMANCE, SESC Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil, 2016.
Partitura: Wilson Sukorski
Dispositivo para performance: Monocordio
SOLOCORDICO
La artista ingresa a la sala con zapatos de taco alto, corset negro, un instrumento de una sola cuerda sujeto a su cuello con una cinta y un arco en la mano. Ejecuta el instrumento, componiendo un paisaje sonoro hipnótico con sonidos repetitivos y perturbadores, pausas cortas y silencios largos. Con la ubicación del instrumento entre las piernas de la artista, se evoca una figura fálica y un ritual masturbatorio, donde el hombre ausente se convierte en una presencia fragmentaria y objetualizada. Así, la obra replica simbólicamente al poder objetualizador del macho, en un ejercicio de posesión y de apropiación de la energía fálica.
Partitura: Wilson Sukorski
Dispositivo para performance: Monocordio
SOLOCORDICO
La artista ingresa a la sala con zapatos de taco alto, corset negro, un instrumento de una sola cuerda sujeto a su cuello con una cinta y un arco en la mano. Ejecuta el instrumento, componiendo un paisaje sonoro hipnótico con sonidos repetitivos y perturbadores, pausas cortas y silencios largos. Con la ubicación del instrumento entre las piernas de la artista, se evoca una figura fálica y un ritual masturbatorio, donde el hombre ausente se convierte en una presencia fragmentaria y objetualizada. Así, la obra replica simbólicamente al poder objetualizador del macho, en un ejercicio de posesión y de apropiación de la energía fálica.
Ana Montenegro, Marco Paulo Rolla y Wilson Sukorski, Performance sonora ALIENTO, Verbo, Galeria Vermelho, São Paulo, SP, Brasil, 2015.
Partitura: Wilson Sukorski
Dispositivos para performance: Peluca, acordeón
ALIENTO
La artista realiza una acción sonora junto al performer Marco Paulo Rolla, en la que ambos artistas se presentan con los rostros cubiertos por pelucas, vestidos con smokings y zapatos de tacón, y cada uno con un acordeón. Ejecutan una partitura repetitiva, con pequeñas pausas y largos silencios. A partir de los rostros cubiertos y el uso de dos signos contradictorios (zapatos femeninos y ropas masculinas), ambos se convierten en cuerpos sin una identidad fija. Seres híbridos que deconstruyen la identidad y el género, y abren múltiples posibilidades en el campo de lo sensible, entre imagen, sonido y espacio, aliento, asfixia y respiración.
Ana Montenegro y Maurizio Mancioli, Performance para camara SOLOCOMOSCAS, Verbo, Galeria Vermelho, São Paulo, SP, Brasil, 2015
SOLOCOMOSCAS
La artista dibuja moscas en una pared blanca durante 28 días en su hogar / estudio (la vida útil de este insecto es aproximadamente un ciclo lunar). Es una performance duracional y, como sabemos, la duración se refiere a la calidad de lo que dura, resiste o permanece. La pared blanca que se llena con el diseño de la mosca sugiere lo transitorio como contrapunto.
La acción también cuestiona la relación entre el dibujo y la performance, así como el evento en vivo perdido por el espectador, mediado por las imágenes de una cámara.
SOLOCOMOSCAS
La artista dibuja moscas en una pared blanca durante 28 días en su hogar / estudio (la vida útil de este insecto es aproximadamente un ciclo lunar). Es una performance duracional y, como sabemos, la duración se refiere a la calidad de lo que dura, resiste o permanece. La pared blanca que se llena con el diseño de la mosca sugiere lo transitorio como contrapunto.
La acción también cuestiona la relación entre el dibujo y la performance, así como el evento en vivo perdido por el espectador, mediado por las imágenes de una cámara.
Ana Montenegro y Wilson Sukorski, Performance sonora ANTIFONIA PARA LIRA Y SIERRA, Verbo, Galeria Vermelho, Sao Paulo, SP, Brasil, 2014
Partitura: Wilson Sukorski
ANTIFONÍA PARA LIRA Y SIERRA
Los artistas usan una lira del siglo XIX y una sierra musical para construir un paisaje sonoro hipnótico con diálogos repetitivos, incómodos, y a menudo contradictorios. El desajuste entre los sonidos, percibidos como abismos, nos ofrece una imagen del vacío que marca la naturaleza del encuentro con el otro.
Partitura: Wilson Sukorski
ANTIFONÍA PARA LIRA Y SIERRA
Los artistas usan una lira del siglo XIX y una sierra musical para construir un paisaje sonoro hipnótico con diálogos repetitivos, incómodos, y a menudo contradictorios. El desajuste entre los sonidos, percibidos como abismos, nos ofrece una imagen del vacío que marca la naturaleza del encuentro con el otro.
Ana Montenegro, Maaurizio Mancioli y Wilson Sukorski, Performance sonora AUDICIÓN ASINCRÓNICA, mostraPerformatus #1, Central Galeria de Arte, Sao Paulo, SP, Brasil, 2014
Partitura: Wilson Sukorski
AUDICIÓN ASINCRÓNICA
La artista y un performer, ambos vestidos para un concierto, se posicionan en la sala, y tocan asincrónicamente durante aproximadamente 30 minutos sus respectivos instrumentos.
Esta performance revela el desajuste entre la realidad y la ficción en las relaciones contemporáneas, a través de un paisaje sonoro de vacío y soledad, orquestado por dos monólogos repetitivos e incómodos, donde todo diálogo está condenado al fracaso.
Partitura: Wilson Sukorski
AUDICIÓN ASINCRÓNICA
La artista y un performer, ambos vestidos para un concierto, se posicionan en la sala, y tocan asincrónicamente durante aproximadamente 30 minutos sus respectivos instrumentos.
Esta performance revela el desajuste entre la realidad y la ficción en las relaciones contemporáneas, a través de un paisaje sonoro de vacío y soledad, orquestado por dos monólogos repetitivos e incómodos, donde todo diálogo está condenado al fracaso.
Ana Montenegro y Maurizio Mancioli, Performance BOYA, Parahaus, São Paulo, SP, Brasil, 2014,
BOYA
La performance confronta al espectador con una imagen ilusoria, paradójica y sin sentido (un cuerpo casi estático en una boya salvavidas, sumergido en un fluido líquido, atrapado en una redoma, un espacio de confinamiento).
Una alegoría de la fragilidad humana, pero también, en un sentido político, una reflexión sobre la cuestión del desplazamiento, de la inmigración, aludiendo a la desesperante situación de tantos cuerpos condenados a un no lugar, a una no vida.
BOYA
La performance confronta al espectador con una imagen ilusoria, paradójica y sin sentido (un cuerpo casi estático en una boya salvavidas, sumergido en un fluido líquido, atrapado en una redoma, un espacio de confinamiento).
Una alegoría de la fragilidad humana, pero también, en un sentido político, una reflexión sobre la cuestión del desplazamiento, de la inmigración, aludiendo a la desesperante situación de tantos cuerpos condenados a un no lugar, a una no vida.
Ana Montenegro y Maurizio Mancioli, Performance LOS AMANTES, Verbo, Galeria Vermelho, São Paulo, SP, Brasil, 2012.
LOS AMANTES
Los artistas ingresan a la sala, se ubican uno frente al otro y se tapan el rostro, luego de frente al público y con sus cuerpos juntos, la mujer al frente, el hombre atrás con las manos sobre su cuerpo, inician un ritual de amor repetitivo mientras suena la banda sonora. escuchado una y otra vez. Cuando termina la canción, los dos descubren el rostro y salen de la habitación.
Los Amantes reflexiona sobre el desajuste entre la realidad y la ficción en las relaciones. Un juego de ocultación a través de lo visible y lo audible apunta a la naturaleza ciega de las relaciones humanas... El rostro cubierto por una tela blanca sugiere un espacio vacío para crear ficciones por la imposibilidad de aprehender al otro, y también que los lazos amorosos son siempre peligroso y condenado al fracaso. El ritual amoroso se manifiesta de una manera muy cruda (el hechizo se rompe con el sexo a la vista) en un contrapunto a la banda sonora que sugiere el romanticismo y la fantasía de las películas de amor.
LOS AMANTES
Los artistas ingresan a la sala, se ubican uno frente al otro y se tapan el rostro, luego de frente al público y con sus cuerpos juntos, la mujer al frente, el hombre atrás con las manos sobre su cuerpo, inician un ritual de amor repetitivo mientras suena la banda sonora. escuchado una y otra vez. Cuando termina la canción, los dos descubren el rostro y salen de la habitación.
Los Amantes reflexiona sobre el desajuste entre la realidad y la ficción en las relaciones. Un juego de ocultación a través de lo visible y lo audible apunta a la naturaleza ciega de las relaciones humanas... El rostro cubierto por una tela blanca sugiere un espacio vacío para crear ficciones por la imposibilidad de aprehender al otro, y también que los lazos amorosos son siempre peligroso y condenado al fracaso. El ritual amoroso se manifiesta de una manera muy cruda (el hechizo se rompe con el sexo a la vista) en un contrapunto a la banda sonora que sugiere el romanticismo y la fantasía de las películas de amor.
Ana Montenegro, Performance sonora REPRODUCCIÓN PROHIBIDA, Galeria Vermelho, São Paulo, SP, Brasil, 2010
REPRODUCCIÓN PROHIBIDA
Esta acción propone una relación entre la imagen frontal de un cuerpo presente, pero de espaldas al público, y las imágenes mentales (ficticias) creadas por el espectador. La imagen frontal se materializa solo en la mente, sin llegar a reproducir concreta y fielmente la imagen propuesta.
La imagen que vemos del otro es siempre una ficción. Este trabajo también explora los lazos que el texto y la imagen tejen entre sí.
La artista ingresa a la sala y se para de espaldas a la audiencia frente a una pared blanca. Mientras permanece de pie, se reproduce una narración en off sobre la posible imagen frontal de su cuerpo.
REPRODUCCIÓN PROHIBIDA
Esta acción propone una relación entre la imagen frontal de un cuerpo presente, pero de espaldas al público, y las imágenes mentales (ficticias) creadas por el espectador. La imagen frontal se materializa solo en la mente, sin llegar a reproducir concreta y fielmente la imagen propuesta.
La imagen que vemos del otro es siempre una ficción. Este trabajo también explora los lazos que el texto y la imagen tejen entre sí.
La artista ingresa a la sala y se para de espaldas a la audiencia frente a una pared blanca. Mientras permanece de pie, se reproduce una narración en off sobre la posible imagen frontal de su cuerpo.
Ana Montenegro y Edgar Ulisses. Performance ENCUENTRO EN LA MIRADA DEL OTRO. Verbo, Galeria Vermelho, São Paulo, SP, Brasil, 2009.
ENCUENTRO EN LA MIRADA DEL OTRO
En una sala con dos aberturas, una frente a la otra, y dos rectas paralelas fijas en el piso que exceden los límites de la sala por estas aberturas, entra el artista caminando por el lado de una de las rectas, con el público colocado al lado de la otro. En el camino próximo a la salida, ella se detiene y dirige su mirada a un espectador mientras se coinciden, siguiendo a otro cuando la mirada es diferente, durante aproximadamente veinte minutos. después de ese horario, la ruta continua.
La acción refleja la búsqueda infinita del punto de encuentro de las relaciones mientras este encuentro sólo es posible en el viaje de estos paralelos.
ENCUENTRO EN LA MIRADA DEL OTRO
En una sala con dos aberturas, una frente a la otra, y dos rectas paralelas fijas en el piso que exceden los límites de la sala por estas aberturas, entra el artista caminando por el lado de una de las rectas, con el público colocado al lado de la otro. En el camino próximo a la salida, ella se detiene y dirige su mirada a un espectador mientras se coinciden, siguiendo a otro cuando la mirada es diferente, durante aproximadamente veinte minutos. después de ese horario, la ruta continua.
La acción refleja la búsqueda infinita del punto de encuentro de las relaciones mientras este encuentro sólo es posible en el viaje de estos paralelos.
Ana Montenegro y Edgar Ulisses, Performance ABISMOS, Oi futuro, Rio de Janeiro, RJ, Brasil, 2008
LETANÍA
Nunca nos dimos cuenta.
Somos dos abismos, un pozo mirando al cielo.
Fernando Pessoa
ABISMOS
Nietzsche dijo que cuando miramos el "abismo" él también nos mira a nosotros.
La artista coloca su cuerpo contra la pared, y de puntillas comienza un camino a lo largo de la misma con su mirada dirigida al suelo. Camina lentamente, repitiendo los mismos pasos cortos y desgarradores hasta el final, como si estuviera entre una pared y un abismo que se abriera delante de ella.
La acción se traduce como una metáfora del recorrido vital, en sus permanentes movimientos para sostenerse y no caer, pero también logra evocar una imagen de indefensión y acorralamiento de la condición femenina. El abismo de esta acción es tanto la vida misma de cualquier ser como la vida de la mujer sujeta a múltiples condicionamientos e imposiciones.
LETANÍA
Nunca nos dimos cuenta.
Somos dos abismos, un pozo mirando al cielo.
Fernando Pessoa
ABISMOS
Nietzsche dijo que cuando miramos el "abismo" él también nos mira a nosotros.
La artista coloca su cuerpo contra la pared, y de puntillas comienza un camino a lo largo de la misma con su mirada dirigida al suelo. Camina lentamente, repitiendo los mismos pasos cortos y desgarradores hasta el final, como si estuviera entre una pared y un abismo que se abriera delante de ella.
La acción se traduce como una metáfora del recorrido vital, en sus permanentes movimientos para sostenerse y no caer, pero también logra evocar una imagen de indefensión y acorralamiento de la condición femenina. El abismo de esta acción es tanto la vida misma de cualquier ser como la vida de la mujer sujeta a múltiples condicionamientos e imposiciones.
Ana Montenegro y Edgar Ulisses, Performance ÓPERA DE LO COTIDIANO, Verbo, Galeria Vermelho, São Paulo, SP, Brasil, 2007
Dispositivo para performance: Silla
ÓPERA DE LO COTIDIANO
La artista desnuda se equilibra durante veinticuatro minutos en una silla con solo dos patas. La acción refleja la búsquedad constante de equilibrio, tanto en la experiencia vital individual, así como en las formas de vinculación interpersonales en el mundo contemporáneo.
Dispositivo para performance: Silla
ÓPERA DE LO COTIDIANO
La artista desnuda se equilibra durante veinticuatro minutos en una silla con solo dos patas. La acción refleja la búsquedad constante de equilibrio, tanto en la experiencia vital individual, así como en las formas de vinculación interpersonales en el mundo contemporáneo.
Dispositivo para performance.
Ana Montenegro y Edgar Ulisses, Performance sonora CONCIERTO PARA UN LIRIO BLANCO, Verbo, Galeria Vermelho, São Paulo, SP, Brasil, 2006
CONCIERTO PARA UN LIRIO BLANCO
La artista entra en la sala, vestida para un concierto, cargando un monocordio (instrumento que consiste apenas en una cuerda sonora presa en sus dos extremidades). Se sienta con el instrumento entre sus piernas y su vestido abierto, y se estimula con la cuerda mientras toca una sola nota durante largo tiempo. Después se levanta, agradece y sale.
Esta acción interpela fuertemente al espectador, exponiendo a la luz pública un acto íntimo y privado de masturbación que, al ser ejecutado por una mujer, se recubre de una doble potencia subversiva, en tanto cuestiona uno de los tabúes historicamente más tradicionales impuestos a la sexualidad femenina.
CONCIERTO PARA UN LIRIO BLANCO
La artista entra en la sala, vestida para un concierto, cargando un monocordio (instrumento que consiste apenas en una cuerda sonora presa en sus dos extremidades). Se sienta con el instrumento entre sus piernas y su vestido abierto, y se estimula con la cuerda mientras toca una sola nota durante largo tiempo. Después se levanta, agradece y sale.
Esta acción interpela fuertemente al espectador, exponiendo a la luz pública un acto íntimo y privado de masturbación que, al ser ejecutado por una mujer, se recubre de una doble potencia subversiva, en tanto cuestiona uno de los tabúes historicamente más tradicionales impuestos a la sexualidad femenina.
Ana Montenegro y Edgar Ulisses, YO SER VIDA, Verbo, Galeria Vermelho, São Paulo, SP, Brasil, 2006
YO SER VIDA
La artista desnuda ingresa en la sala, se sienta en un recipiente de aluminio que contiene miel de abejas, y procede a tomar un baño, en forma muy lenta y silenciosa. Este ritual, adquiere un carácter perturbador, en tanto alude a un cuerpo femenino tensionado entre el deseo de ser consumido para liberarse de la soledad y la resistencia a someterse a los modelos naturalizados del consumismo afectivo. El cuerpo ofrecido como alimento instala una metáfora sobre la condición de la mujer como objeto y mercancía en la lógica de las sociedades patriarcales.
YO SER VIDA
La artista desnuda ingresa en la sala, se sienta en un recipiente de aluminio que contiene miel de abejas, y procede a tomar un baño, en forma muy lenta y silenciosa. Este ritual, adquiere un carácter perturbador, en tanto alude a un cuerpo femenino tensionado entre el deseo de ser consumido para liberarse de la soledad y la resistencia a someterse a los modelos naturalizados del consumismo afectivo. El cuerpo ofrecido como alimento instala una metáfora sobre la condición de la mujer como objeto y mercancía en la lógica de las sociedades patriarcales.